STAMPA LIBERA

Giuseppe Di Lorenzo:

Ma lei mi prende in giro?
Scusi, il fatto che Kubrick e i Pink Floyd siano grandi esempi da una parte di cinema e dall’altra di musica non ci sono dubbi. Ma io le ho fatto l’esempio di Duchamp per farle capire( inutilmente ) che nell’arte ci vuole un nesso LOGICO non meramente ESTETICO. Echoes dei Pink Floyd è una suite pensata nell’epoca in cui se facevi progressive rock allora facevi le suite, se non non eri figo. Echoes in particolare nasce per essere la melodia principale di “Live At Pompeii”, strutturando l’esibizione rock nello schema classico della sinfonia( tipico di quegli anni, si faceva anche meglio in Italia ). Il film di Kubrick non è un’idea di Kubrick, e non è suo il titolo, perché è tratto da un libro, anzi: da una trilogia, la più famosa in fantascienza dopo quella asimoviana della Fondazione. “2001: Odissea Nello Spazio” è uno dei massimi raggiungimenti letterari di Arthur C. Clarke, e gran parte del film di Kubrick mantiene un certo ermetismo proprio perché restano dei buchi colmabili solo se uno ha letto il libro. Infatti l’operazione promossa da Kubrick era quella di riscoprire un classico della fantascienza visto con occhi diversi, cambiando il ritmo della narrazione, e giungendo ad una sintesi di immagini e di battute. Per questo lei prova “angoscia”, perché l’angoscia la si costruisce tramite canoni e tecniche proprie dell’arte. Kubrick non è un genio toccato da Dio, è uno che ha studiato.
I Pink Floyd invece sono un ottima band inglese, lasciatosi alle spalle Barrett hanno dato il loro meglio, ma senza mai toccare alte cime di concetto o tecnica, all’epoca la riflessione musicale era ben altra( vedi: Captain Beefheart, gli Emerson, Lake & Palmer, Frank Zappa, i Quatermass, i Red Crayola e così via ), e comunque non hanno grandi similitudini con il percorso creativo di Kubrick, perché mentre Kubrick cercava la sintesi nella intricata struttura del cinema( uno dei pochi a capire davvero Orson Welles ), i Pink Floyd piuttosto tendevano alla ricerca più barocca possibile( spesso raffazzonando un po’, come nel caso di Ummagumma ), fino a scadere nel commerciale( The Wall ) e poi concludendo la loro carriera come figurine di se stessi.
Echoes comunque non ha tematiche riconducibili al film in questione, non c’è una “nuova scoperta”, non aiuta a comprendere il messaggio di Kubrick, quindi a parte essere un accostamento simpatico e carino non può essere considerato in alcun modo niente di più.

Sarei curioso di sapere quando dice che “Questi maestri del passato sapevano cosa produceva la loro arte agli osservatori “nemici”, perché capivano di alchimia, cabala etc…” a cosa si riferisce esattamente. A parte che per alchimia gli antichi pittori intendevano le tecniche per creare i colori( ho libri originali dal trecento al seicento che trattano queste materie, si chiamano infatti Manuali Alchemici ), e non ho alcuna notizia di artisti che si interessassero particolarmente alla cabala, eppure ho studiato diari, corrispondenze, so di certo che molto spesso i committenti chiedevano di inserire nei dipinti di famiglia simboli riconducibili ad essa, molti di questi noi non sappiamo assolutamente cosa diamine rappresentino e alcuni fantasiosi studiosi dicono siano simboli tipici della cabala., e che si mandavano tramite essi dei messaggi in codice.Sarà. Se non fosse che la cabala riutilizzasse simboli tipici di culture pagane, e che spesso avevano significati elementari e piuttosto buffi ci crederei anche, la maggior parte( abbiamo una documentazione esauriente e vastissima ) di essi altro non erano che auguri, infatti perlopiù erano commissioni per matrimoni( vedi: “La Primavera” del Botticelli, celebre e intoccabile opera per noi, pensata per uno stretto e buio corridoio a suo tempo ) e funerali.

L’arte come terapia prende vita come concetto nella Bauhaus. Chi le dice che già prima qualcuno ci aveva pensato dice cose senza alcun documento esistente che lo provi. La teoria dei colori parla chiaro, ci sono colori che psicologicamente riconduciamo a determinate sensazioni ed emozioni, l’uso di questi in un certo modo può veicolare l’impatto emotivo dello spettatore. Mi spiace deluderla però, perché i Grandi Maestri, come li definisce lei, questo non lo sapevano. Ed è assolutamente certo che non ne avevano conoscenza neanche inconsciamente, perché: fino al trecento si usava il fondo oro, che appiattisce la figura rendendola più archetipica e poco umana( tra l’altro quello fu un vero periodo di destrutturalizzazione dell’individuo a discapito della omogeneità divina, tramite quell’arte lì chi era spettatore si sentiva lontano da quella perfezione esasperata, non vi erano mai uomini che salivano in cielo, ma solo santi perfetti, ricchi, immacolati, e questo lo posso dire documenti alla mano ). Poi con l’Umanesimo e il Rinascimento l’uomo è tornato al centro, e Dio era solo un pretesto per parlare d’altro( vedi il San Pietro che cammina per le vie della Firenze quattrocentesca per mano di Masaccio ), l’uso del colore tende a definire le forme, ed è totalmente assoggettato alla funzione prospettica. Fino a Delacroix e Goethe non ci sono sperimentazioni sul colore( nel senso di ricerca emotiva ) degne di nota.

“Le figure/soggetti sono solo uno strumento, non e’ il punto cardine. E’ la rielaborazione simbolico-matematica visiva che produce il “dramma”. Per questo non si tratta di capire cosa significhi quel quadro, ma riscoprire le emozione che produce.” Assolutamente falso. Questa è una considerazione sua, personale, ma non oggettiva, e sopratutto che non combacia assolutamente con la storia dell’arte. Un quadro porta in sé un messaggio ben preciso, se non lo capisci a che è servito? Non era nello scopo di Michelangelo, Pier Della Francesca, Donatello, Tiziano, far scaturire “emozioni”, non lo dice nessun artista! Questo lo dice lei, ma è una sua considerazione personale che non ha riscontro in nessun dato a noi disponibile fino a Rothko, che è il primo artista a parlare di emozioni ed emozioni intese nello stretto rapporto con i colori, tanto da eliminare la figura( ormai di troppo, superflua, superata ) e lasciare solo il colore. Prima non era così, assolutamente! L’arte era comunicazione di tutto, con un dipinto ci facevi scuola letteralmente! Visto che la gente non sapeva leggere e la maggior parte del popolo fino all‘800, e nel nostro caso anche dopo, non sapeva leggere certe cose si spiegavano nei quadri. Quante opere di Masaccio erano a scopo propedeutico? Non c’era alcun intento di “emozionare”, c’era quello semmai di spiegare, convincere, modellare. Courbet che è considerato uno degli apici nella Storia dell’Arte nel suo complesso fece scandalo proprio per i concetti che portava, ma se lei guarda i suoi lavori non noterà alcuna differenza con i suoi contemporanei. Difatti proponendo gli stessi schemi, le stesse tecniche e gli stessi formati scuoteva l’opinione pubblica come nessun artista prima di lui! Secondo me lei di Courbet non ci capisce una mazza, scommettiamo?

L’arte del passato era oscenamente subdola. Oggi invece è clamorosamente veritiera.

Le opere che restano immortali sono quelle che noi reputiamo le più esplicative del loro tempo, se no non si spiegherebbe come mai tantissimi artisti del passato che erano osteggiati e ignorati a loro tempo oggi sono riconsiderati come degli innovatori, e come invece TUTTI gli artisti più famosi del seicento-settecento li abbiamo buttati in cantina senza rimorso alcuno.

“Affermare che con l’arte non c’entra nulla e’ una stronzata bella e buona. Kubrick e i Pink Floyd sono due massimi esponenti artistici del secolo passato.” So che ho già affrontato all’inizio questo tema, ma ci tengo a ribadirlo. Primo: lei non sapeva neanche che il film di Kubrick era una integrazione ad un opera letteraria, ed il film( come Kubrick ha più volte affermato ) non è isolato dal libro, ma ne è un perfezionamento imprescindibile. “I Pink Floyd, per me, sono simbolicamente la stessa cosa di Kubrick” vede, anche lei dice “per me”, ma l’arte è un qualcosa di oggettivabile( perché ha una storia, dei canoni, dei moduli… ), non è soggettiva come vorrebbe lei! Secondo: se io prendo delle scene di Pulp Fiction e ci metto di sottofondo Mursorgskij( uno dei più grandi compositori russi di sempre ) e ci sta pure bene non sono un artista, perché non ho apportato a Pulp Fiction alcun senso ulteriore, alcun significato in più, ho solo fatto un’operazione estetica. Lei potrà dire che sono “stronzate”, ma secoli di storia e studi la smentiscono tranquillamente. Terzo: si guardi Metropolis rivisto da Moroder. Poi le consiglio i cinque volumi di Storia Dell’Arte della coppia Cricco – Di Teodoro, sono pensati per il liceo ma sono scritti eccellentemente, sintetizzano senza mutilare i concetti più importanti e i passaggi basilari. Inoltre così potrà sviluppare un senso critico adeguato. Perché l’arte ha una sua dignità storica, che lei farebbe bene a rispettare.